9 ознак того, що перед вами готичний живопис

Реальні та фантастичні звірі, сувої-комікси в руках персонажів, троянди та чотирилисники, витягнуті непропорційні фігури.

Готика - поняття, що прийшло з архітектури. Так називають стиль, який народився навколо Парижа у 1130–40-х роках, а потім поширився майже всією католицькою Європою. Його ключові елементи – стрілчаста арка, нервюрне склепіння, контрфорси, аркбутани, гострі вежі (пінаклі) — визначали конструкцію та естетику численних храмів, а багато в чому і світських будов, які зводили на Заході аж до XVI століття.

Історики схильні шукати єдність у різних формах мистецтв, які з'явилися чи панували одночасно. Тому живопис високого та пізнього Середньовіччя теж почали називати готичної. У цьому є своя правда: архітектура вбирала майже всі форми і техніки мистецтва (скульптуру, фреску, станковий живопис, вітраж); художники розмальовували статуї, а скульптура була вбудована у тіло храму; для різних типів зображень був характерний загальний естетичний ідеал — наприклад, тонкий силует, що прагне вгору.

І водночас використання терміна «готика» стосовно живопису багато чим умовне. Еволюція архітектурних форм не обов'язково збігається за хронологією з еволюцією візуальних форм. Новації у світі арок, шпилів і статуй, що почалися в XII столітті, лише частково відбилися у світі зображень, написаних фарбами, і це сталося не відразу.

А коли панування готики завершилось? У XIV–XV століттях в Італії, а XV столітті у Нідерландах відбулася художня революція, яку прийнято називати Відродженням. Майстри тієї епохи пішли від багатьох прийомів, прийнятих в епоху готики, і створили нову, більш натуралістичну мову. При цьому в італійському живописі Відродження, незважаючи на захоплення Античністю, все одно багато готичного, а мистецтво старих фламандців (Робера Кампена, Яна ван Ейка, Рогіра ван дер Вейдена) можна описати як розрив із середньовічною традицією, і як її кульмінацію. Щоб не йти в суперечку про те, де в мистецтві закінчується Середньовіччя і починається Відродження, ми пропонуємо зосередитись насамперед на класичних формах готики — до новацій XV століття.

У мистецтві готичної доби існувало чимало світських сюжетів: війна, полювання, турніри, бенкети, куртуазні сцени з панами і дамами, епізоди з греко-римської міфології, повчальні алегорії. Проте набагато частіше художники зверталися до образів, пов'язаних зі священною історією та християнською доктриною. У світі зображень переважали персонажі зі Старого та Нового Завіту, житій святих, приклади пороків та чеснот, бачення пекла та раю. Складність у тому, що самі сюжети можна було зустріти й до готики — в епоху, яку ми умовно називаємо романської (XI–XII століття). Тому, щоб розібратися в суті готичного, неможливо спиратися лише на утримання вівтарних панелей, фресок чи книжкових мініатюр — важливіше поглянути на те, як вони влаштовані, візуальну мову того часу.

1. Стрілчасті арки, троянди та чотирилисники

Оскільки поняття готики прийшло з архітектури, з неї почнемо. Різні мистецтва в будь-яку епоху обмінюються технологіями, образами і наслідують одне одного. У середньовічній Європі ця перекличка була особливо інтенсивною. Наприклад, релікварії для мощей святих, створені ювелірами з дорогоцінних металів, часто нагадували мініатюрні храми: зі стрілчастими арками, аркбутанами, що летять, ланцетними вікнами, ажурними трояндами, гострими фронтонами (вімбергами), високими шпилями, готичними трилисниками та чотирилисниками.

Той самий репертуар готичних форм у XIII–XV століттях широко застосовувався у плоских зображеннях, написаних фарбами, і навіть на вітражах. Справа не лише в тому, що художники представляли храми та світські споруди у сучасному їм готичному стилі. Найважливіше інше: будь-які сцени, незалежно від того, чи розгорталися вони в полях і лісах, на міських площах чи в замкових залах, часто поміщали в архітектурне обрамлення, яке нагадувало нішу, увінчану балдахіном, або храм у розрізі. Стулчасті вівтарі з їхніми гострими щипцями були схожі на портали церкви. Конструктивні елементи та архітектурний декор, чим відрізняли готичні споруди від їхніх романських попередників, стали всюдисущими і в живописі. Різні мистецтва говорили однією мовою.

2. Витягнуті силуети та ламані лінії

Подібно до каменярів, які зводили стрілчасті арки і шпилі, художники готичної пори часто прагнули надати своїм персонажам тонкого, витягнутого силуету. Наприкінці XIV - початку XV століття в основних художніх центрах Європи - Франції, Бургундії, Богемії, Північної Італії та рейнської Німеччини - утвердився стиль, який називають міжнародною готикою. Для нього характерне прагнення витонченості, м'який вигин фігур і деяка манерність поз. Наприклад, на Вілтонському диптиху, створеному в Англії близько 1395–1399 років, силуети Діви Марії та ангелів, які оточують Царицю Небесну, трохи витягнуті. Світлі духи не відрізняються один від одного і схожі на витончених андрогінів.

Крім того, на багатьох зображеннях фігури, написані фарбами, нагадують розмальовані статуї. Це найкраще видно у «зигзагоподібному» стилі (Zackenstil), який з'явився в середині XIII століття у німецьких землях. Його відмінна риса — гострі, ламані, наче застиглі складки одягу. Вони надають персонажам експресії та створюють відчуття, що фігури насправді вирізані з каменю, як статуї, що стояли на порталах соборів.

Готика дуже різноманітна. Якщо французи і бургундці цінували придворну витонченість і стриманість поз, персонажі німецьких художників пізнього Середньовіччя корпулентніші, їх жести різкі, а емоції (наприклад, ненависть іудеїв і язичників до Христа чи скорбота Іоанна Богослова і Діви Марії) б'ють через край.

3. Плоска сцена та кольоровий фон

Погляньмо на типове середньовічне зображення, наприклад, вівтарну панель, яку кельнський художник Штефан Лохнер (прибл. 1410—1451) присвятив мучеництву апостолів. Де розгортається дія? На вузькій та неглибокій сцені. У деяких майстрів персонажі були майже плоскими, наче аплікації. Тут вони об'ємні та міцно збиті. І все одно простір, в якому вони розміщені, позбавлений глибини. Ми не бачимо, де відбувається дія. За першим планом немає сільських видів, ні панорами міста. Замість них — умовне золоте тло, схоже на театральний задник.

Сяйво золота підкреслювало сакральне, позачасове значення біблійних чи життєвих сцен і надавало зображенню подібності до дорогоцінного виробу ювеліра. Лише під кінець Середньовіччя в Італії, Франції, Нідерландах художники почали освоювати глибину простору. Замість одноколірних фонів з'явилися перші пейзажі чи реалістичні міські краєвиди, і вперше з часів Античності почалися експерименти з перспективою.

У книжковій мініатюрі фон дуже часто бував кольоровим, наприклад, червоним або синім. Іноді був візерунковий патерн — сітка з квадратів або ромбів, нанесена поверх однотонної поверхні. Колір фону різних мініатюр на одній сторінці або розвороті рукопису зазвичай чергувався: наприклад, червоний, синій, червоний, синій тощо. Такі варіації задавали ритм. Однак, щоб уникнути монотонності, майстри його ускладнювали і робили так, що візерунок, поміщений на тлі, щоразу виглядав трохи інакше. Десь додавали крапочки чи завитки, десь змінювали форму фігур чи вигадували ще якийсь нюанс. Середньовічні художники з пієтетом ставилися до старовини, копіювали роботи попередників, але цінували винахідливість і вміння скомпонувати звичні елементи на новий лад.

4. Світло: звідусіль і нізвідки

Відмовившись від спроб передати на площині глибину тривимірного простору, середньовічні художники викреслили зі свого репертуару більшість світлових ефектів, які були відомі в Античності.

У картинах епохи готики, як і живопису попередніх століть, ми навряд чи можемо сказати, де є джерело світла. Він скрізь і ніде. Всі предмети та персонажі поступово освітлені і не відкидають тіней. Сцени, які за сюжетом розгортаються в напівтемряві підземної катівні або на вулиці під нічним небом, як арешт Христа в Гефсиманському саду, нічим не відрізняються від того, що відбувається вдень і за яскравого світла.

Ситуація почала змінюватися з XIV століття - спочатку в Італії, а потім на півночі, у Франції та Нідерландах. Прагнучи передати світ таким, як ми його бачимо, митці почали експериментувати зі світловими ефектами. Спочатку подекуди з'явилися тіні. Вони вказують на те, що світло ллється з певного боку, що на зображенні відбито конкретний час дня. Систематично ці ефекти стали застосовуватися вже в XV столітті: в Італії — у Джентілі да Фабріано і Мазаччо, у Нідерландах — у Робера Кампена та Яна вана Ейка. Відкриємо Розкішний часослів герцога Беррійського — один із найвідоміших середньовічних рукописів. На жовтневій сторінці календаря селяни, які орють на полі, відкидають тіні на орані борозни.

Приблизно в ту ж епоху в європейському мистецтві стали множитися нічні сцени (градації темно-синіх та чорних відтінків у небі, темрява, прорізана світлом вогню), а також інші світлові ефекти: відблиски у склі та дорогоцінному камінні, відображення у дзеркалах та на гладі води , повітряна перспектива (предмети вдалині затягнуті серпанком).

5. Чим вище, тим важливіше

У середньовічному мистецтві зростання персонажів це важливий показник. Найбільш значні фігури часто виявляються вищими, ніж другорядні. Государ височить над своїми підданими, святий над паломниками, які прийшли до нього з проханням про допомогу, Господь над ангелами і святими, а диявол над демонами. Зростання свідчить про високе становище у небесній чи земній ієрархії. Цей прийом з'явився задовго до готики. Аналогічні зображення ми знайдемо у мистецтві багатьох цивілізацій, наприклад Єгипту та Ассирії. У європейському Середньовіччі цей принцип найчастіше й послідовніше використовувався у романську епоху. Однак і в XIII-XV століттях він не був забутий.

На багатьох церковних образах та на мініатюрах рукописів ми бачимо донаторів (від латів. donum — «дар»), тобто замовників конкретних зображень чи благодійників храмів. Вони просили відобразити себе в молитві перед святими, Дівою Марією чи самим Христом. У Середньовіччі їх часто представляли як крихітні фігурки — по коліна чи пояс небесним заступникам. Різниця в розмірі наголошувала на смиренності донаторів і фокусувала увагу глядача на вищих силах — головних персонажах зображення.

6. Гра масштабів

У плані масштабів та пропорцій середньовічне мистецтво довго зберігало вірність антропоцентризму. Це не означає, що людина у філософському чи релігійному плані вважалася мірою всіх речей. Справа в іншому: в більшості випадків зображення були влаштовані так, що фігури персонажів займали більшу частину кадру. У ньому залишалося мало порожнього простору. Як уже було сказано вище, аж до XIV-XV століть у готичному мистецтві майже не знайти пейзажів чи масштабних міських сцен, на тлі яких людська фігурка могла б здаватися крихітною.

Великі тварини, стіни міст, дзвіниці церков і навіть гори зазвичай зображувалися приблизно такого ж розміру, як людська постать: трохи нижче чи трохи вище. Це були умовні декорації, знаки, що вказували на місце, де розгортається дія: у місті з безліччю веж, усередині собору, у лісі чи на гірській дорозі. Художники готичної пори довго не намагалися передати реальне співвідношення масштабів між людиною, будинком чи природним ландшафтом. Їхнє завдання було в іншому: вибудувати ясну розповідь і привернути всю увагу до головного — персонажів, чи то люди, чи сили небесні, чи темні духи.

7. «Комікси»

У сучасних коміксах і карикатурах ми чуємо репліки персонажів завдяки хмаркам, що відходять від їхніх вуст. Цей прийом родом із Середньовіччя. Однак, на відміну від наших днів, він зустрічався майже в будь-яких зображеннях — від маргіналій на полях рукописів до вівтарних панелей і церковних фресок. Їхні персонажі зверталися один до одного, а насправді до глядача не лише за допомогою поз, жестів та міміки, а й буквально текстом.

Найчастіше слова писали на довгих стрічках, розгорнутих сувоях. В англомовній літературі їх якраз називають speech scrolls — буквально «сувій для мови». Вони з'явилися в західноєвропейській іконографії XI століття, але стали всюдисущими пізніше - в епоху готики.

Спочатку вони виглядали як справжні сувої, написані на смужках пергаменту. Персонажі тримали їх в руках, вони накручувалися на центральний валик і під силою тяжкості прогиналися вниз. Проте згодом митці стали дедалі частіше відходити від фізичної правдоподібності. Майстри малювали стрічки, які прямували з рук того, хто говорить не вниз, а вгору. Часто вони відходили не з його рук, а від вуст. Під час діалогу чи суперечки сувої учасників перехрещувалися у повітрі, інколи ж їх репліки записували на різних сторонах однієї стрічки.

8. Німби та атрибути святих

На зображеннях готичної епохи багато метаелементів - знаків, які звернені до глядача, роз'яснюють йому суть того, що відбувається, і демонструють статус персонажів. Ці знаки відрізняються від інших деталей (будівель, повсякденних предметів, одягу чи головних уборів) тим, що самі персонажі, як мається на увазі, їх не бачать. Класичний приклад — німб навколо голови святого: у вигляді золотого диска, корони променів, світлового ореолу або напівпрозорої, немов скляної, «тарілки». Німб вказує на те, що конкретний персонаж є святим, що глядач може йому помолитися.

Святі – одні з головних персонажів у мистецтві Середньовіччя. Але як відрізнити одного небесного захисника від іншого? Як глядач зрозуміє, хто з чоловіків чи жінок – мученик, а хто – самітник? Як ідентифікувати конкретного мученика чи пустельника серед безлічі побратимів? У цьому могли допомогти підписи, але не всі глядачі вміли читати, а на зображеннях, які розташовані високо або невеликі за розміром, нерідко текст виявлявся невиразним.

Цю проблему допомагали вирішити іконографічні атрибути - знаки, які зображали в руках персонажа чи поруч із ним. Дехто вказував на тип святості, до якого належить небесний заступник. Наприклад, мученики тримали пальмові гілки. Інші вказували на конкретного святого, заміняли чи доповнювали підпис ім'ям.

Особисті атрибути здавна існували у кількох небесних патронів: святого Петра (ключі), чотирьох євангелістів (янгол, тілець, лев, орел), святої Агнеси (ягня)… У решти стародавніх і нових святих вони стали множитися з кінця XII століття — раніше загалом, у Північній Франції, а потім і по всій католицькій Європі.

Часом атрибути зображалися (майже) у натуральну величину: біля ніг святої Катерини лежить тортурне колесо з шипами, розбите янголом, що спустився з неба, а поряд зі святою Варварою стоїть вежа, в яку її заточив батько. Однак часто атрибути постають як крихітні, немов іграшкові, моделі, які святі тримають у руках, на підносах або на книгах: свята Катерина — з маленьким, мов годинниковим, колесом, свята Варвара — з крихітною баштою, а святий Лаврентій — з маленькими ґратами, що нагадують про ґрати, на яких його засмажили язичники.

9. Тварини: фантастичні та реальні

У мистецтві готичної епохи величезну роль відігравало фантастичне. Майстри із захопленням конструювали хитромудрих гібридів із частин тварин, птахів, комах та рослин. Під кінець Середньовіччя ця традиція отримала напрочуд винахідливе втілення в роботах Ієроніма Босха (бл. 1450 - 1516). Однак захоплення фантастичним легко поєднувалося з інтересом до природи і прагненням відобразити реальний образ різних Божих творінь.

На сторінках манускриптів або вівтарних панелях легко знайти реалістичні зображення рослин, тварин, комах, риб та інших істот. Вони з'явилися з XIII століття у скульптурі соборів, серед маргіналій, що прикрашали поля манускриптів, або на мініатюрах у бестіаріях, енциклопедіях чи трактатах про полювання. У попередні століття образи тварин та рослин зазвичай були сильно стилізовані. За зовнішнім виглядом було важко, а то й неможливо ідентифікувати конкретний вигляд. В епоху готики ситуація почала змінюватися. Равлики та слони, кажани та коники, виноградні троянди та пальми часто зображувалися цілком достовірно та з неабиякою увагою до деталей.